“La Doña Francisquita del Teatro Villamarta de Jerez (ejemplo a seguir y no seguido en la gestión) es fresca, ágil y muy vendible. La dirección escénica de Paco López está en la línea de este cordobés, tomándose la licencia de unir continuidad, como final, las últimas escenas de los actos II y III, buscando una mejor coherencia argumental.”

“Montaje en interpretación de corte tradicional, pero con aire de vivo y completo espectáculo, el de la comedia musical Doña Francisquita. La escena transcurrió con estudiada vitalidad.”

“En ocasiones muy contadas se había visto antes sobre el escenario del Villamarta jerezano una producción lírica como la que reseñamos, de calidad tan alta y uniforme en todas sus vertientes, tan cuidada y redonda en suma. Sencilla, económica e imaginativa en sus líneas maestras, predominaban con fuerza en la propuesta escénica fraguada al alimón por Francisco López y Jesús Ruiz penumbras y claroscuros, tan propicios a los amores furtivos, así como el espectro entero del rojo, preludio y símbolo a la vez de las pasiones desatadas y del baño de sangre que viene a culminar el drama. La intención confesa era universalizar, arrancar la peripecia de su tiempo y su lugar concretos para así exponer la fábula descarnada y desnuda, con toda su fuerza y su carga de ejemplaridad. De la “máquina” escénica cabe decir que funcionó con perfección milimétrica y que cada participante supo insuflarle a su parte ese perfume de verdad, esa atmósfera de espontaneidad y de naturalidad no orzada tan deseables y a la vez tan arduos de conseguir: gestos y miradas, movimiento escénico, coreografías y demás vinieron de este modo a reforzar el innegable vigor dramático que ya de por sí atesora la partitura del autor francés”.

“Romeo y Julieta, en esta ocasión Fernando de la Mora y Ainhoa Arteta, ha sido el título elegido por el activo Teatro Villamarta para inaugurar su temporada lírica. La romántica ópera de Gounod fue servida escénicamente por la producción de Francisco López ya aplaudida en Oviedo. El buen tono general de la representación se potenció y encontró sus mayores calidades en el foso, donde la filarmónica de Málaga hizo gala de sus mejores cualidades dirigida con verdadera maestría por el mexicano Enrique Patrón de Rueda.
Francisco López logró profundizar en las raíces del drama shakespeariano y reflejar la prisión amorosa de los protagonistas. El coro apareció enmascarado, ajeno al desarrollo del conflicto que afecta a los jóvenes amantes veroneses. El espacio en el que transcurre la conocida historia, diseñado por Jesús Ruiz estaba inundado por una arquitectura renacentista y muy acertadas las variadas tonalidades de rojo empleadas en el vestuario-también de Jesús Ruiz- realzadas por la adecuada iluminación”.

“... el mucho interés y atractivo de la audaz propuesta escénica de Francisco López, que con este sobresaliente Rigoletto ambientado en la Italia fascista de 1944 firma uno de los trabajo escénicos mejor acabados de entre los que se han estrenado en España en los últimos años.
… son éstos sólo detalles a vuela-pluma de un trabajo que a nadie dejará indiferente. Sensualidad, crudeza, mucha sensibilidad estética y un minucioso trabajo de actores son las señas de identidad fundamentales de esta intrépida y atractiva producción que resuelve con habilidad y mucha inteligencia las casi ineludibles trampas escénicas que plantea el libreto de Francesco María Piave.”

“Difícilmente podría habérsenos brindado inicio más prometedor para la temporada lírica del Teatro Cervantes que el que se nos ofreció el día 8 con la representación de Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Las excelencias del elenco vocal, con un Carlos Álvarez en estado de gracia, la precisión de la dirección musical y la brillantez de la puesta en escena se dieron la mano para propiciar uno de los mayores espectáculos programados en nuestro principal teatro lírico.
El director escénico, Francisco López, plantea al espectador una luminosa transferencia de tiempos: la ambientación original –la corte ducal de Mantua, siglo XVI- pasa a ser la Italia fascista del año 1944, con “camisas negras” en lugar de refinados cortesanos del Renacimento.
Esta traslación pone en primer plano, descarnadamente, de una forma cuasi expresionista, el conflicto central que tanto Piave como Verdi tuvieron que maquillar frente a la censura austriaca: la injusticia y la arbitrariedad del poder absoluto. El clima de degeneración moral es de una intensidad morbosa. Muchas cosas son de alabar en la concepción de Francisco López: la perspectiva cinematográfica de la puesta en escena –el nombre de Verdi, el título de la ópera y la ubicación temporal de la acción son proyectados como si de un filme se tratara, y un escueto “Fine” sigue a la última imprecación de Rigoletto-; la sensibilidad para la textura de las imágenes: un casi omnipresente velo separa a los espectadores del acontecer escénico, dotando a colores y formas de un perfil sfumato y de un granuloso tacto; el movimiento del coro y la masa de actores es en general ágil y consecuente con la estética propuesta. La única fisura que cabría señalar en esta ideación se convierte ella misma en un magnífico logro involuntario: el inicio –originalmente un baile en el palacio ducal- es actualizado en forma de una suerte de orgía contemporánea que, a pesar de la advertencia previa (Italia 1944) y del envolvente humo de los cigarrillos, no es claramente percibida como tal. El espectador tiende a ubicarse en el siglo XVI, vemos una corte de nobles noritalianos, no deliberadas máscaras diversas, y luego, sin transición, la entrada de un par de milicianos que arrojan a los pies del Duque al ultrajado Monterone (Hugo Monreal). De esta forma, el auditorio asiste a un arriesgado salto en el tiempo que, en opinión de quien suscribe, resulta mucho más sugestivo que la narración puramente lineal. Vetas de cine negro, neorrealismo italiano y poética felliniana se funden aquí en feliz síntesis.
Ojalá la cota de calidad alcanzada en este Rigoletto se convierta en guía de futuras producciones. ”

“Los intérpretes movidos con soltura por la excelente labor, con hallazgos plásticos, de Francisco López, director escénico, como bueno y vistoso el vestuario del acto primero, decorados, ambientación y “efectos especiales”. La traslación de la Mantua del s. XVI al año 1944 de esta producción de los teatros Villamarta de Jerez y Cervantes de Málaga, sin que se resienta la comprensión de la trama, es demostrativa de la vigencia de la corrupción, el abuso a los débiles y el dominio del dinero.”

“Rigoletto de G. Verdi en una apasionante producción del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera, sin lugar a dudas, la más interesante por la calidad realista de decorados, vestuario, luces, etcétera, y también a la buena puesta en escena, ubicando la acción en la Italia de Mussolini allá por 1944, con guiños fascistas y al cine de la época, todo ello de la mano de Francisco López y Jesús Ruiz”.

“Se cerró la presente edición del Festival de Ópera de forma brillante con un Rigoletto que ha servido de colofón a una de las temporadas más equilibradas de los últimos años. Y, al igual que en los demás títulos que han compuesto el presente cartel, la fórmula que se ha empleado es la de contar con un reparto bien compensado y una puesta en escena cuidada y que trata de decir algo nuevo.
Por ello es lógico que hayamos salido del Cuyás tan satisfechos tras esta primera función, porque hubo además de equilibrio entre lo escénico y lo musical, un planteamiento de auténtico espíritu verdiano.
La propuesta de Francisco López resulta acertada en su cambio de época y en cuanto a la concepción general. Sin caer en la provocación tan frecuente en algunos Rigoletto de los últimos años en Europa y América y sin que lo teatral desequilibre la balanza respecto a lo musical, López crea un espectáculo lleno de fuerza trágica y a la vez creíble, con decorados excelentes y una iluminación sombría pero totalmente apropiada a la obra.”

“El brillante montaje mantuvo siempre una atmósfera homogénea, sin caer en los previsibles excesos a que se podría prestar la recreación de la trama en una época tan negra, llena de contención y efectividad.”

“Y con particular significación hemos de mencionar la vistosidad y calidad de la producción jerezana, con el sello personal de Francisco López, quien en su propuesta dramaturga utiliza el mórbido preludio –luego utilizado por Verdi como intermezzo previo al acto final- como sugerencia a la ensoñación de la protagonista, en una suerte de efecto cinematográfico que matiza el sentido cronológico tradicional, con lo que se subraya aún más la creciente intensidad emocional de Violetta, desde el ambiente de fiesta con el que se inicia normalmente la ópera al levantarse el telón hasta el lecho de muerte, en el que por cierto nos encontramos con un maravilloso efecto luminotécnico.
Tanto la escenografía de Jesús Ruiz, espléndida y con una muy conseguida ambientación burguesa de la época, como el vestuario, lleno de colorido, resultan muy atrayentes y sumergen de lleno al espectador en ese París romántico, en el que no falta el cliché –excesivamente subrayado- de esa España adorada por los viajeros decimonónicos, de gitanillas y toreros, con la efectista coreografía de Inmaculada Aguilar”.

“Y con particular significación hemos de mencionar la vistosidad y calidad de la producción jerezana, con el sello personal de Francisco López, quien en su propuesta dramaturga utiliza el mórbido preludio –luego utilizado por Verdi como intermezzo previo al acto final- como sugerencia a la ensoñación de la protagonista, en una suerte de efecto cinematográfico que matiza el sentido cronológico tradicional, con lo que se subraya aún más la creciente intensidad emocional de Violetta, desde el ambiente de fiesta con el que se inicia normalmente la ópera al levantarse el telón hasta el lecho de muerte, en el que por cierto nos encontramos con un maravilloso efecto luminotécnico.
Tanto la escenografía de Jesús Ruiz, espléndida y con una muy conseguida ambientación burguesa de la época, como el vestuario, lleno de colorido, resultan muy atrayentes y sumergen de lleno al espectador en ese París romántico, en el que no falta el cliché –excesivamente subrayado- de esa España adorada por los viajeros decimonónicos, de gitanillas y toreros, con la efectista coreografía de Inmaculada Aguilar”.

“Prestaba marco a la representación una propuesta escénica del propio teatro y ya exhibida por estos pagos, la firmada hace tres años por el cordobés Jesús Ruiz. A una escenografía y unos figurines de una elegante ortodoxia, hermosos y atractivos al par que funcionales, se venía a sumar, como de costumbre, la dirección escénica perfectamente concebida, milimetrada y llevada a efecto del director de nuestro Villamarta, Francisco López, plena de naturalidad, sentido dramático y detallismo, tejiéndose entradas y salidas, movimiento escénico, gestos y estampas de conjunto con estudiado cuidado y maestra mano”.

Francisco López se ha lanzado a esta arriesgada aventura con honestidad, valentía y sin complejos. Tras el exitoso estreno en Córdoba y su inmediata presentación en le Teatro Villamarta, el resultado de tan polémica e intrépida coproducción rezuma crecidas calidades dramáticas y admirable audacia escénica, lo que la convierten en su trabajo más personal y admirable.
Sensualidad, crudeza, inteligencia y alta sensibilidad estética son las señas de identidad de la nueva producción, enriquecida por la espléndida, imaginativa y espectacular escenografía de Jesús Ruiz (autor igualmente de los ricos figurines), quien resuelve con destreza y mucho ingenio los problemas dramáticos que plantea el libreto. La propuesta indaga con descaro y perspicacia en las entrañas de los personajes, desnudos de cualquier artificio.”

“De auténtico lujo se lo ha hecho nuestro Villamarta con la nueva producción de ese pilar fundamental del repertorio lírico que es el Rigoletto verdiano que pudimos disfrutar el pasado viernes. En verdad se puede decir que Francisco López y su equipo han echado el resto en este trabajo y que el resultado final, sobresaliente por muchos conceptos, goza de una solidez, una coherencia y una vistosidad dignas de encomio. Mención especial merece, por su acertada manera de hacer coexistir sin aparentes estridencias sobre la escena dos mundos paralelos, el apartado meramente visual: el decorado y los figurines de Jesús Ruiz, dentro de una línea clásica sin dejar por ello de incluir detalles de personalidad indudable, presentan a un tiempo grandiosidad y atención al detalle, exquisitez y capacidad de sugerencia. Los distintos ambientes de los cuatro momentos de la trama se recrean desde un prisma que intenta evocar, según confesión del propio Francisco López, la estética del cine negro, apoyado en un trabajo de iluminación que suma variedad y tino en la focalización de los puntos de interés.
Por otro lado, se juega asimismo a la ambivalencia y el extrañamiento, haciendo convivir sobre un mismo escenario ambientes y vestuarios cronológicamente muy separados, como si se quisiese con ello trazar un paralelismo entre épocas distintas: por un lado, la corte de Mantua del original verdiano; por otro, la Italia de Mussolini. Para Subirá toda la obra verdiana era una crítica más o menos soterrada de los poderes absolutos, ya sea políticos, ya sociales, ya económicos, y este es el mensaje que parece subyacer en la propuesta: Rigoletto en cuanto crítica del poder absoluto, un poder que es a un mismo tiempo corrupto y corruptor. En lo estrictamente dramático el espectáculo funciona a las mil maravillas, fundamentado en una dirección actoral varia a imaginativa, llena de apuntes interesantes algunos de ellos incluso un tanto atrevidos.”

“La producción, polémica y que rezuma crecidas calidades dramáticas, llega firmada por Francisco López, quien retoma triunfante con este nuevo trabajo escénico al coliseo que dirigiera durante años. La producción, valiente y audaz hasta la intrepidez, indaga hasta la mismísima entraña de los personajes, que aparecen así despojados de cualquier máscara desvirtuadora.
La producción está poblada de innumerables hallazgos y detalles de sumo atractivo, como el de la sensual presencia de una explosiva rubia platino mientras el Duque canta su aria “Ella mi fu rapita”; la imploración de Rigoletto en la segunda parte de su magistral aria “Cortigiani, vil razza dannata”, o la entrada de los secuestrados en la vivienda del bufón.
Son estos sólo detalles a vuela-pluma de un trabajo que a nadie dejará indiferente. Sensualidad, crudeza, mucha sensibilidad estética y un minucioso estudio son las señas de identidad fundamentales de esta intrépida, atractiva y muy madurada producción, en la que la espléndida e inteligente escenografía de Jesús Ruiz resuelve con habilidad y mucha inteligencia los diversos problemas dramáticos que plantea el libreto de Francesco Maria Piave”.

“…Pero la Blancas no podía haber desarrollado tamaña interpretación sin una dirección escénica igualmente excepcional. La expresividad contenida, la melosidad y la sensiblería recortadas, la definición del personaje –de todos, en realidad, y otros factores fueron decisivos. Y a la vez, la ya proverbial y fructífera unión entre la regencia escénica y la concepción espacial en donde habían de moverse los personajes resultaron también capitales. Jesús Ruiz planteó unos decorados en cierta forma tradicionales, pero inteligentes y bien aprovechados, aunque innovar completamente en este terreno sea harto difícil”.

“Difícilmente podría haberse adentrado con mejor paso nuestro Teatro Villamarta en la producción escénico-musical que con La Traviata que se nos presentaba sobre su escenario la noche del pasado viernes y que se ofrece de nuevo hoy domingo a las 21 horas. Casi cada aspecto del espectáculo ha sido trabajado y mimado hasta lo indecible, y claro, esto se percibe de forma nítida en el resultado final. Aunque habrá quien acuse en la propuesta escénica y los figurines de Jesús Ruiz cierta falta de arrojo y cierto conservadurismo, lo que resulta innegable es que su trabajo, por su fastuosa belleza y su cálida inmediatez, funciona de manera impecable. Me gusto mucho asimismo la dirección escénica de Francisco López, director de nuestro Teatro Villamarta el movimiento escénico, natural perfectamente trabado y estudiado, así como la labor actoral de coro y solistas, dieron como resultado un espectáculo dramático de una pieza inmaculado, lleno de ritmo y verosimilitud”.